3 ARTISTAS COLOMBIANOS

En un país con la diversidad que tiene Colombia, no solamente en paisajes sino también en tradiciones culturales y expresiones artísticas, se hace imperativo desviar la mirada de los grandes centros citadinos y poner atención a nuestras regiones, aquellas en donde sucede la máxima exploración de lo que somos desde nuestras raíces.

Nelson Vianey Vacca, escultor y pintor – Casanare

El artista ha sido catalogado por la Prensa y los críticos de arte como uno de los artistas colombianos con más proyección internacional.

Vianey es un artista contemporáneo del nuevo milenio y ha sido invitado a presentar su serie en Colombia para la cual el artista decidió hacerlo en su tierra natal.

Sus imágenes evocan los colores planos del arte pop, con un dejo del trabajo del brasileño Romero Britto. Las influencias más notorias provienen de su exilio voluntari.

Ruby Rocío, pintora – Guaviare

Aunque nació en la ciudad de Bogotá, esta mujer es hoy en día conocida como la pintora de los Nukak. Sus pinturas resaltan por incluir paisajes, objetos, elementos de la naturaleza tradicionales de los lugares que son habitados por esta comunidad. La mayoría de sus obras muestran personajes indígenas escondidos entre el follaje de hojas, lo que ella ha denominado como ‘mimetismo’ y de lo que ha dicho “nos hace recordar la similitud del cuerpo humano al territorio, entendiendo íntimamente que somos parte de él”.

Filomeno Hernández, pintor – Huila

Las pinturas de Filomeno están cargadas de paisajes urbanos, los desastres y las guerras que parecen vividas por seres de otro mundo vestidos de metales y formas no humanas. Nacido en Suaza, en el departamento de Huila, este artista también se ha consolidado en el panorama internacional de las artes.

Artistas de la pintura y cultores de la poesía de nuestro terruño regional han pasado por las páginas de este blog: Rubén Ordóñez Ortega y Luis Alfonso Triana Perdomo, en la poesía con sendos artículos en el mes de marzo, recordando al primero en el Día Mundial de la Poesía y presentando la reciente obra del segundo en el mismo día en que fue entronizada en la Biblioteca Muncipal de la capital del Huila

ARTE URBANO EN BOGOTA

El arte urbano, antes asociado al vandalismo y la marginalidad, hoy es una de las principales apuestas en Bogotá para fomentar el turismo y hacer de la capital una galería a cielo abierto para el disfrute de propios y extraños. De ese anhelo nació el proyecto Distrito Grafiti, para reivindicar esta práctica y transformar territorios de la mano de sus comunidades.

“Bosque fantástico” retrata la creatividad infantil. La pintura esta ubicada en Fontibón.

Esta iniciativa, que vincula al Distrito y a quienes se dedican a este arte, nació formalmente en 2016. Sin embargo, su génesis se remonta a 2011. Fue en escenarios como el puente de la avenida Boyacá con 116.

Actualmente, en Bogotá hay 50 de ellos, ideados para el disfrute de cualquier ciudadano, pero son quienes se detienen, se toman el tiempo y los contemplan en su totalidad los que llegan a apreciar su excepcionalidad.

Mulato, uno de los primeros artistas urbanos que se unieron al proyecto y quien hoy hace recorridos turísticos por los murales, aseguró que “el artista urbano ha cambiado de mentalidad. Antes se hacían grafitis sin permiso, porque no había un dialogo con la ciudad, pero cuando se da la posibilidad y se brindan los estímulos, el artista se preocupa por hacer pinturas con las que las comunidades se sientan identificadas y reflejen su cultura”.

De acuerdo con la secretaria de Cultura, María Claudia López, se pretende incluir las obras de los artistas urbanos en las guías turísticas para fomentar que los operadores lleven a los extranjeros a estos lugares. “Ya hay varios recorridos organizados por los hoteles de Bogotá. También contamos con viajes en bicicleta para que la gente pueda apreciar de manera más pausada, pues en transporte masivo o carro particular no se valoran de igual manera”.

Se quiere articular la promoción del arte urbano como atractivo turístico con el fomento de la movilidad en dos ruedas. José Andrés Duarte García, director del Instituto de Turismo, argumentó: “Promovemos el uso de la bicicleta para reconocer espacios urbanos turísticos, como Distrito Grafiti de Puente Aranda. A través de estos recorridos continuamos posicionando la ciudad como la capital mundial de la bicicleta”.

Andres Peds - kno Delix - Jair Gatto

Representando la Zona, el AREA 19 Encuentro de las mesas locales de graffiti en Bogotá.

Crix, uno de los líderes de la mesa de Ciudad Bolívar y del colectivo Fenómenos Crew, considera que la resignificación de los lugares públicos es relevante porque hay muchos lugares a los que la gente no va, pues dicen que “allá roban o allá matan”. Sin embargo, proyectos como el de Los Puentes hacen a los barrios más importantes y menos marginales.

Sin embargo, los artistas urbanos reclaman una adecuada regulación de sus pinturas, con la que se contemplen las superficies donde se va a llevar a cabo el trabajo, ya que a veces el lugar no es apropiado y se hace en sitios donde hay divisiones en los muros, lo cual genera un costo más alto. Además coinciden en que se le debería dar crédito al creador si su obra va a ser explotada turística o comercialmente, pues usualmente los estímulos se quedan cortos para el número de artistas que hay y sólo recuperan el dinero que invirtieron en el material, pero no hay una utilidad.

Por su parte, la Secretaría de Cultura señala que es imposible evitar que la gente tome fotografías, porque es un espacio público y se convierte en parte de la fachada de un edificio. No obstante, cada vez que la Secretaría hace uso de estas pinturas, le da crédito al artista.

El arte de ahora

ARTE ACTUALMENTE

Durante siglos para definir una obra de arte se uso la imitación: la obra debía ser semejante a la realidad de la manera más exacta posible. Su objetivo era reproducir la ilusión de contemplar la realidad.

Actualmente, la imitación dejó de ser el paradigma del arte. Mientras la filosofía reflexionaba en torno al sujeto y a la razón, el arte comenzó a indagar sobre sus medios de representación

 Los temas de arte ya no son las maravillas naturales, los mitos o las verdades espirituales, sino el arte como arte. El arte moderno busca la pureza, aquello que le fuera exclusivo.

El arte moderno está definido por la belleza, las cualidades estéticas de la obra, por la armonía de color y la composición misma.

El arte contemporáneo goza de libertad. La diferencia entre una obra de arte y un objeto no puede establecer a partir de un criterio perceptivo: son exactamente iguales

Actualmente, se vive el periodo más controvertido y confuso de la historia de las artes plásticas. El arte actual es plural, individualista, transgresivo y conceptual.

Lo Plural=

La pluralidad que caracteriza al arte actual se define a través del incremento en lenguajes expresivos y el uso de todo tipo de materiales para la creación artística.

Se reúnen grupos de obras que guardan relación en cuanto a la técnica, la expresividad, a los elementos y a la significación. De esta manera, una misma obra puede pertenecer a distintas tendencias

Se utilizan objetos tridimensionales, instalaciones, elementos varios.

Se cree que la innovación es fruto de la libertad creadora, pero no es así. La innovación incesante está determinada por los intereses del mercado en sociedades en las que domina el valor de cambio de la obra, de manera similar a la moda, que más que un fenómeno estético es un fenómeno económico

Individualista=

La noción de que el arte, para ser válido, debe ser la expresión del individualismo y de una personalidad única. El culto al genio es uno de los valores supremos del arte contemporáneo. De ahí que la búsqueda de originalidad sea otro de los valores muy estimados.

 A tal grado ha llegado el culto a la personalidad del artista consagrado que, en muchas ocasiones, se da más énfasis a la personalidad del artista que a sus productos: se considera más valiosa la firma de ciertos artistas que el objeto mismo donde está impresa

Transgresivo =

El arte moderno tiende a ser transgresivo, porque reta las normas artísticas convencionales. La agresión contra el entorno visual y social es uno de los rasgos distintivos del arte moderno. La corriente artística del simbolismo, que floreció en Francia, consolidó la idea de que el artista existe fuera de la estructura social establecida y que a través de sus creaciones se presentan nuevas visiones del mundo y del ser humano

Conceptual=

En diversas tendencias del arte moderno se cuestiona la existencia del arte como objeto. Es decir, que la obra se convierte en el punto de partida de una reflexión más amplia que rebase a la obra misma. El significado de obra prevalece sobre el problema de la obra misma. Si en el arte tradicional predominaba el objeto sobre la teoría, en el arte conceptual prevalece la teoría sobre el objeto. Ya no basta la obra por la obra, sino que debe enmarcarse en las teorías que la fundamentan.

ARTISTAS

Antes de nada quiero aclarar que este blog no tiene objetivo dar una postura frente al arte, pues solo se pretende que el lector al ver cada obra y autor tome su propia postura y compare  la visión entre cada artista.

Vincent van Gogh

Unos 900 cuadros, más de 1600 dibujos… Y eso que Van Gogh empezó su carrera seria de pintor relativamente tarde (32 años). Eso sí… Desde entonces no pararía de pintar a un ritmo frenético durante 5 años, hasta su trágica muerte.

Mucho se ha hablado de su turbulenta vida y de su locura, de la famosa oreja y de su carácter intratable. Sin embargo, y por mucho que se especule, su arte era de lo más lúcido. Van Gogh no pintaba así por «estar loco», no veía las cosas así (eso sería genial!) sino que fue un audaz experimentador y todo un erudito en la historia del arte.

Paradigma de pintor atormentado, de genio solitario que no vendió ni un miserable cuadro en vida (hoy su obra tiene un valor incalculable), es verdad que tenía serios trastornos psiquiátricos, pero lo cierto es que fue un pintor muy de su tiempo, que evolucionó de la monocromía típica de la pintura holandesa y del realismo al arte colorido con el que lo identificamos hoy en día.

La verdad es que Van Gogh sufrió siempre de depresiones e incluso intentó suicidarse varias veces. Es cierto que se cortó la dichosa oreja (el lóbulo en realidad),dañó más su cerebro, que se comía su pintura con plomo, que bebía absenta hasta quedar inconsciente, que sus relaciones sociales y sentimentales fueron desastrosas, que olía fatal, que fue un mantenido por su hermano Theo, que fue internado en psiquiátricos y que acabó pegándose un tiro en el pecho con una escopeta…

Pero sería muy simplista afirmar que su particular estilo (colores chillones, pinceladas bruscas…) se debe a su estado psicológico. En realidad Van Gogh pintaba de esa forma porque ese era su estilo, un estilo lúcida y consciente-mente adquirido. Loco o cuerdo, sus cuadros eran relativamente independientes de su psique.

OBRAS:

• La ronda de los presos:El artista se sentía en una prisión, aislado del mundo, dando vueltas en círculos como los presos de la imagen. De hecho, el preso que nos mira recuerda bastante al pintor Vincent se sentía realmente deprimido en estos días, y no veía escapatoria a su propia cárcel interior hay dos mariposas volando, un evidente símbolo de libertad y optimismo que, aunque escondido, Van Gogh quiso dejar plasmado.
• Café Nocturno:En mi cuadro del café nocturno he tratado de expresar que el café es un sitio donde uno puede arruinarse, volverse loco y cometer crímenes. Mediante la contraposición de un rosa pálido, un rojo sangre y un rojo vino, y de un suave verde veronés y un Luis XV en abierto contraste con los tonos amarillo-verdosos y de los duros verdes-azulados – todo ello en la atmósfera infernal de un horno al rojo vivo y de un pálido amarillo de azufre – he querido transmitir el sombrío poder de una taberna.
  -Vincent Van Gogh

Pablo Picasso

Arquetipo de «el artista», genio, vital, follador…, creador de estilos, una leyenda ya en vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la historia.

Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más famoso de la historia del arte.

Picasso no pierde vigencia porque fue la figura central de todo el arte del siglo XX, un artista experimental pero ligado al pasado.Fue quizás también el artista más influyente. El arte contemporáneo es lo que es gracias (o por culpa) de él.

OBRAS:

• Las Señoritas De Avignon: Avinyó una calle de Barcelona donde abundaban los burdeles. Picasso nos muestra en esta obra a cinco prostitutas y lo hace de un modo inédito hasta entonces: lo hace al estilo cubista.Es evidente que el pintor quería dinamitar lo establecido y romper de una vez con todas con el realismo, incluidas la profundidad espacial y la anatomía humana. Como vemos, el cuerpo de la mujer desnuda se convierte ahora en un conjunto de planos angulares, más marcados cuanto más a la derecha vayamos.

• Mujer Leyendo En La Playa: plantea aquí la temática ya clásica de la bañista como una herramienta para realizar un profundo estudio del color y las formas geométricas. Pablo las denominó “Bañistas biomórficas”.                                                  Uno de los artistas que más bañistas pintó fue Paul Cezanne, al que Picasso admiraba por encima de los demás como precursor de la pintura moderna.
  El artista simplifica las formas hasta intuirse casi la abstracción y va mucho más allá que su maestro en eso de la articulación de los volúmenes.

Frida Kahlo

Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la historia del arte como debían. Muy pocas están en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es una de ellas.

Es una de las pintoras más conocidas de México y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra. Los surrealistas quisieron ver en Frida a uno de los suyos, pero ella siempre se mostró reticente por un motivo: Frida no pinta sueños… pinta su realidad. «No sabía que era surrealista hasta que llegó André Breton a México y me lo dijo».

La obra de Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a su vida personal, se podría decir que los cuadros de Frida son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque ella misma lo negara,hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la magia, los mitos y el inconsciente que se respira en Mexico).También un evidente influjo expresionista

OBRAS:

• La Columna Rota:Con 37 años, Frida Kahlo llevaba media vida arrastrando un terrible sufrimiento físico a causa del accidente de autobús sufrido en 1925. Su columna vertebral había quedado fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, clavículas y pelvis. Su pierna derecha se fracturó en once partes. Fue además atravesada por un pasamanos por la cadera izquierda atravesando su cuerpo hasta salir por la vagina. Kahlo comentaba que esa fue la brutal forma en la que había perdido su virginidad.Lo único que ayudó a curar su dolor fue el arte.                         Frida aguanta con resignación y estoicismo, sacando belleza donde no la puede haber, como sacar agua de ese desierto que tiene detrás.

• Lo Que El Agua Me Dio:como es típico en ella, la suma de numerosos elementos puede ser mucho más definitoria y sobre todo más evocadora para expresar su identidad.                                                                                                                                        En este mundo acuático primitivo flotan y se reflejan raíces, plantas, flores, cadáveres, insectos, aves y personas conocidas suyas. Un rascacielos (evocando su estancia en Nueva York) sale de un volcán (uno de tantos de su Mexico natal). Una pequeña Frida desnuda se mantiene a flote en el centro por medio de una cuerda. Y al fondo, un dedo del pie sangrando. Es todo lo que la vida le había dado, bueno y malo; pasado, presente y futuro.

Gustav Klimt

El más célebre artista austriaco de esos tiempos y a la vez el más refinado, complejo y hermético.

Sus obras, cargadas de sensualidad, tienen un estilo pictórico absolutamente ecléctico y cada vez están más cargadas de abstracción y plásticas innovadoras como sus extraños puntos de vista, cortes poco habituales y un valor expresivo de la línea que anuncia el expresionismo posterior.

Las mujeres peli rojas eran Símbolos de la vida y de la muerte; amenazantes y seductoras al mismo tiempo. En este sentido su obra se calificó de «pornográfica» por su lenguaje abiertamente sexual.

Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.

OBRAS:

• Dánae:La lluvia dorada más famosa representada por el pintor del oro.La historia es la siguiente: Danae es encerrada por su padre en una torre de bronce, ya que el oráculo le dice que su nieto lo va a matar algún día. Pero, Zeus, siempre lujurioso, entra en el recinto en forma de lluvia de oro y se cuela entre las piernas de la muchacha.                                                      
• Tanto la perspectiva como el encuadre o el punto de vista son absolutamente novedosos. La mujer adopta posición fetal dando al cuadro una composición en espiral, muy dinámica. El encuadre tan cercano multiplica la fuerza a la obra

• El Beso:Un beso dorado de dos enamorados.Tesoro nacional austríaco, El beso de Gustav Klimt es además la obra más conocida del artista.                                                 
• Es un poco inusual que el artista metiera a una figura masculina en una de sus obras, pero hay quien quiere ver en este sujeto sin rostro un autorretrato de Klimt y a la mujer a Emilie Flöge o quizás a Adele Bloch-Bauer. Ambas mujeres ya habías sido sus modelos.

Marcel Duchamp

es considerado el artista más influyente del siglo XX. Se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional.

¿Talento…? ¿Preparación…? ¿Tradición…? ¿Para que…? Duchamp se olió que la pintura estaba muerta, pudriéndose en los museos/mausoleos, y descubrió la belleza en lo coyuntural, lo fugaz y lo superficial. Pintando bigotes a la Gioconda descubrió que quizás estaba mejorando al original. Exponiendo un urinario en un museo abrió la caja de Pandora de catástrofes que hoy pueblan los museos de medio mundo, desde latas de mierda a aire de artista.

En 1914 crea  objetos cotidianos separados de su entorno habitualo y presentados por el artista como obras de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con los ojos, sino con la mente. Resultó que la belleza podía estar en otros sitios… También creó otras formas de arte hoy institucionalizadas: instalaciones, museos portátiles, performances, happenings…

OBRAS:

• El Gran Vidrio:No es una escultura, tampoco es una pintura… Es arte, eso sí… Un arte tan radical en apariencia como en sus intenciones e implicaciones. Una extraña imagen que se puede ver desde los dos lados, el anverso y el reverso y siempre tiene un fondo distinto, cambiante.   
• La mayoría ven en la pieza una exploración del deseo masculino y femenino, una frustrante máquina de amor (frustrante porque es incapaz de conseguir su objetivo), o quizás (y esto es muy posible) sea una solemne burla de la propia solemnidad del espectador decidido a encontrar un significado.

  

• «Étant donnés» o «La cascada»:El artista volvió a (reírse?) revolucionar el arte oficial .Es un cuadro visible sólo a través de un par de mirillas (una para cada ojo) en una puerta de madera.
• ¿Significa la posibilidad de ver y la imposibilidad de poseer?; ¿Cual es la verdadera obra: la puerta, la chica, la cascada del título, nosotros…? ¿Es la filosofía de Nietzche y su eterno retorno llevada al arte…? ¿Es el coño rasurado símbolo de lo grecorromano…?

En definitiva estos son 5 artistas importante e innovadores con sus obras,cada uno con una perspectiva del arte diferente y una forma de expresarlo  fascinante.

MUSEOS VIRTUALES

Quiero enseñar los siguientes museos para realizar y distraerse en esta cuarentena en un  recorrido a 360° por cada museo

Recorridos virtuales en Colombia

Dar un paseo por la exposición del artista colombo-francés Chanoir. Hacer un recorrido visual de 360° por la historia de la Medellín de los años 70, 80 y 90. Explorar las salas que guardan las memorias del conflicto armado en el país.

Museo de Arte Contemporáneo – Bogotá

En alianza con el Google Cultural Institute, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá presenta un recorrido virtual por las exposiciones El Colgado, del artista colombo-francés Chanoir; MonsTruacioN, del colectivo MonsTruacioN; y Sign-Nature, del artista Joemz.

Si quiere saber más del museo puede ingresar a la página web y para hacer el recorrido virtual puede dar clic aquí.

Museo Casa de la Memoria – Medellín

Geografía de la verdad, ¡Paz, creer para ver!, Colombia paraíso despojado y Medellín(es) 70,80,90 son algunas de las exposiciones que el Museo Casa de la Memoria permite visitar en su página web. Un recorrido virtual donde usted conocerá parte de la historia de Medellín y la violencia en Colombia.

Museo de Memoria de Colombia

Aunque estamos a la espera de que el Museo de Memoria de Colombia abra sus puertas en el 2022, en cabeza del Centro Nacional de Memoria Histórica se han realizado tres exposiciones itinerantes que han dado una representación de lo que será este museo, creado como “medida de reparación simbólica para las víctimas y la sociedad colombiana”, según la Ley 1448 de 2011.

 Usted podrá escuchar la explicación de cada sala, ver fotos de lo que fue esta muestra en la Filbo y dar un recorrido de 360° por los espacios de exhibición. Igualmente, puede visitar la página web para saber más del proyecto, conocer los planos del museo y enterarse sobre iniciativas de víctimas y colectivos artísticos en torno a la memoria.